ないはずの絵心を刺激された話【鑑賞「クレパス画と巨匠たち展」】

高鍋町美術館で2017年9月3日まで開催中の「クレパス画と巨匠たち展」を見てきました。株式会社サクラクレパスが所蔵する作品約100点を展示。色々な表現形態に驚かされました。

そもそもクレパスって1925(大正14)年に日本で開発された画材ってことすら知らなんだ。クレヨンのちょっと柔らかい版、程度の認識しかなかった。開発当初は寒い冬でも描きやすい「冬用」、夏の暑さでも溶けない「夏用」があり、冬に夏用を使うとカチカチ夏に冬用を使うとドロドロ、という苦労もあったそうで。でも3年後には統一化に成功し「ほんとのクレパス」と銘うって仕切り直したそうで。こんな解説を見るだけでも「へぇー」ボタンが欲しいところです(古い)。

「クレパス」は商標で一般的にはオイルパステルと呼ぶそうです。

学校の図工の時間ではクレヨンもクレパスも同じような扱いでしかなかった。だからできた絵も大差ないものだった。でもクレパスはクレヨンと違って色を混ぜられる特徴があるのだ(それも知らなかったぞ!)。その結果、会場に展示されているのは油絵に似た「これがクレパス画?」という物が目立つのだ。後日検索してみたらオイルでこすったりペインティングナイフで削ったりとクレパス画の技法にはいろいろある様子。実際に油絵っぽいですね。そういった技法まで学校で学んでたらなー。

そんな中、印象に残ったのは山本鼎「江の浦風景」(1934)。油絵にも似ているが油絵ほど重みがなく軽やかな発色がいい。こんな絵を描いてみたい、と思わされた。

この「自分でも描けないかなー」と思わされるのが本展覧会の特徴。一般的な展覧会では作品世界が別次元すぎて「描いてみたい」とは決して思わない。油絵も描いたことないので画材に馴染みがない。絵を本格的にやる人が使うのが油絵、というイメージ。

しかしクレパスは違う。クレヨンと大差ないもの、という認識(実際は先述の通り違うのだけど)があるので馴染みがある。あの画材でこんな絵が描けるならちょっともう一回…とくすぐられるのだ。脳トレにも効果ありそうだし。

なので、会場の販売コーナーで作品の絵葉書や画集などといっしょにならんでいる「ほんとのクレパス復刻版」や「クレパス誕生90年記念90色セット」(15000円)にむむっ…となったのはここだけの話。今まで気にもとめてなかった「大人の塗り絵」も興味が湧いてきた。「クーピーペンシル」も懐かしい…!と変に刺激されてしまったのでした。基本的な絵の描き方からわかってないので結局買わなかったけど。でも「クーピーペンシル30 カラーオンカラー」はどうしようかなー。

色もいろいろという話【鑑賞「カラフル展」】

高鍋美術館で2017年7月2日まで開催中の「カラフル展」を見てきました。

高鍋美術館は面白いねー

「宮崎アーティストファイル」シリーズ第3弾。過去2回の「ガール」「リアル」と比べ「カラフル」がテーマだと単調になりがちだけど、会場にはモノクロームの作品もあり変化をつけていました。「色のない作品にどんな色が見えるか?」という問い掛けと解釈しました。

いわゆる「王道」なのが池部貴恵(宮崎市)、松田舞(宮崎市)の二人か。セロハン貼り絵の伊藤有紀恵(宮崎市)もシンプルさが印象に残りました。

一方、先述したモノクロームの絵を出品したクリストファー・トラウトマン(都城市・米テキサス州)など男性陣はテーマ「カラフル」を拡張するような作風が目立った。五十川和彦(都城市)はアクリルの箱の中に服を入れ、服の色をぼんやりと外部に漏らしている。色だけを抽出する試みというところでしょうか。

そして今回のゲストアーティスト・儀間朝龍(ぎま・ともたつ/沖縄県)。今回のキービジュアルにもなっているのだけど、切り抜いたダンボールの型にダンボールの表面の色がついた部分をモザイクのように貼り付けて作品にしている。スマイルマークやキャンベルスープ缶、企業ロゴをその色通りに再現しているのだけど、少しずつ色味を変えることで鮮やかなのに古びた感じ、くすんだ感じもある。制作工程のビデオも上映されていて、キャンベルスープ缶の縁も少しずつ色味のパーツを変え、貼り付けていく細かい作り方に感心しました。少しずつ色味を変えるところに個性が出るんですねー。

選択が自分を作る。「カラフル」の多様な解釈を感じさせるイベントでした。

君の名は。から始まる話【鑑賞・大英自然史博物館展】

始祖鳥!

過日上京の折、上野の国立科学博物館で2017年6月11日まで開催中の「大英自然史博物館展」に行ってきました。博物館に行くことは滅多にないのだけど、なぜかピンときたんですよね。予習として「乾燥標本収蔵1号室」 (リチャード・フォーティ著)を読んで臨んだくらいの気合の入りよう。

特製ドードーステッカーもゲットしました

予習はやはり効果的でした。始祖鳥化石くらいは知っていたけれど「所有者を次々に不幸に陥れる『呪われたアメジスト』」「違法捕獲したハクチョウの羽毛で作ったドードーの模型」「女性研究者ドロシア・ベイトが見つけたミオトラグスの骨」など実に興味深い。一つの標本から自然の奥深さと人が自然を知ろうとした歴史を感じられるのです。

驚いたのは後の調査でヒトとオランウータンの頭骨を加工した偽物と判明している「ピルトダウン人の頭骨」も展示されていたこと。捨てずに保存していたのか…。教訓の意味もあるんでしょうね。

会場にならぶ美しい昆虫や甲殻類の標本の中にはテレビや動物園で見た生き物もあった。そんな生物は今、生きている様子を映像で見ることができる。それでも標本を集める意味はあるのだろうか。意味はある、と「乾燥標本収蔵1号室」にはある。

分類学と体系学は、ある面ではたしかに切手収集のようなものだ。ただしそれは、利用者が手元にある標本を識別できるよう、目録に明確な識別項目を配列していくという意味においてのみの話である。その目録は、四〇億年におよぶ生命の歴史が生み出したことの総覧でもある。しかもその内容は、地球の健全さをはかる尺度となっている。それでもまだ価値がないというのだろうか。

標本から世界、地球にまで視野を広げることは今までなかった、と反省。世界には名前のついていない生き物もまだたくさんいるのだという。大英自然史博物館には「トカゲマン」「線虫マン」「海藻マン」などの本当に狭い範囲の専門家(失礼!)がいて、まず種を特定し、名をつけ、そこから生態を調べているのだそうだ。そこから人間の生活に役立つ発見があることもある。

一方で大規模な自然史博物館は、ただ自然界のカタログを提供するだけでなく、自然に対する良心をはぐくむ場所ともなるだろう。そこは後世の人々が、「わたしたちは何をしてきたのか?」という問いに対する答えを見出す唯一の場所となるだろうという場でもあったのだ。

振り返るに美術館、映画館などにはよく行くのに博物館にはこれまでほとんど足が向かなかったのは、展示物に変化がない様に思っていたからだった。目新しさがないというか。しかし「乾燥標本収蔵1号室」を読み、大英自然史博物館の実際の標本を見たら、標本の背景も気になってきた。想像力がいつの間にか欠如していたようだ。たまには博物館に行くのも悪くなさそう。企画展もやってるわけだし。

乾燥標本収蔵1号室 ―大英自然史博物館 迷宮への招待
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アートは接着剤だった話【鑑賞「冨永ボンド展」】

芸術は誰にでも開かれている、と再認識しました。

みやざきアートセンターで2017年3月5日まで開催中の「冨永ボンド展」を見てきました。

冨永ボンドは木工用ボンドで絵を描く画家。独自の画法はニューヨークやパリのアートフェスで注目され、現在は佐賀県佐久市の「ボンドバ」を拠点にライブペイントやアートセラピーなどで活躍しているそう。

初めて聞いたアーティストでしたねぇ

会場に展示している作品は「人間」をテーマに、顔、指、神経など様々なモチーフを採用。特に「顔」は気絶した人を描いたそうだけど、ファンキーでサイケデリックな作風が非常にクール。

もともとCDジャケットデザインからアートの世界に入ったものの、クラブイベントではデザイナーはすることがないのでライブペイントを始めたそうなので、音楽との関連が強いんですね。会場で流れるプロモビデオの音楽も、クラブイベントが落ち着いた時に流れるような、涼しげでスタイリッシュな曲でした。

前衛的な感じがいいですね

色使いに都会的なクールさはある一方、「ボンドアート」自体については「誰でもできる、失敗のないアート形式」と自ら定義しているのが興味深い。キャンバスに色を塗って、黒く着色した木工用ボンドで境目を縁取るだけ、なのだから。

しかし出来上がった作品はステンドガラス作品に似てちょっと高級さがあるのがこの技法の特徴かも。安っぽさがないんですね。

応援の意味でiPhoneケースを購入^_^

画家本人は色使いで勝負しつつ、一般の人はおろか福祉施設とも「ボンドアート」で連携、拠点「ボンドバ」はアトリエや作品販売の他、週一回のバー営業もしているそうで(行ってみたい…)個人で完結するのでなく周囲と繋がろうとするスタイルも新鮮。「つなぐ」というコンセプトと創作活動が高いレベルで一致してると感じました。

今回が初の個展だったそう。企画したアートセンターも挑戦的ですね。期間中に

大作を公開制作してましたが、あの作品、センターのどこかに常設展示されるといいなぁ。入場無料なので行ける方は是非。

 

リアルな選択に寄り添う話【鑑賞「板子乗降臨」】

2月15日から19日まで宮崎市で上演された演劇。笑えるけどちょっとやるせない、人々の暮らしを見つめた話でした。

【作品紹介】
宮崎を舞台に、その土地で生きる人々を描くシリーズが誕生!
第一弾は、京都の劇作家×宮崎の演出家のベテランタッグにより、自然豊かな地方都市の現実(リアル)を描く意欲作!!
【あらすじ】
宮崎市から車で一時間ほどの場所にある樅ノ町(もみのまち)。山の上にある樅の巨木と無農薬野菜が売りの、これといった特徴のないこの町に、県外から一人のサーファーが移住してきた。地元製薬会社が樅ノ町に計画する研究施設建設への反対運動を盛り上げようと奮闘するが、彼の存在がきっかけとなって、地元住民の関係性が少しずつ崩れていき…。

メディキット県民文化センターホームページより)

板子乗(いたこのり)はサーファーのこと。話はサーファー(板子乗)が宮崎に来た(降臨)ことから始まる。宮崎市が舞台ではあるんだけど話の内容は普遍的なもので、政治運動が崩壊していく粗筋だけ追うと「救いのない話」とも読み取れる。実際、クライマックスは結構ダークな展開になるし。沖縄でこの芝居は上演できるだろうか…とまで思ってしまった。

笑えて考えさせる芝居でした

でもこの話はギリギリのところで踏みとどまって、地方の町で暮らしていく人々に寄り添って終わる。寄り添うというのは、人々の愚かさにも目を向けるということで、大きなものに抑圧される正しく弱い存在とは描写していないということ。運動の大義と人情の間で人々が揺れ動き、自身でも思いもよらない選択をしてしまう様は痛々しくて笑えもするんだが実にリアル。「いそうだなこんな人」と思わされた。やるせなさを爆発させた最後のセリフ(叫び)が、印象に残りました。

主演は渡部豪太。テレビで見たことのある俳優さんで舞台経験も豊富なだけあり、登場した瞬間はパッと惹きつける魅力が十分にあった。でも他の出演者たちも負けてなかった。「宮崎出身の人だけあって方言が板についてるなぁ」と思って後でパンフレットを見直したら県外出身の役者さんで驚いた、なんてことも。

宮崎県立芸術劇場プロデュースのこの公演、年1回新作を製作していく予定とのこと。宮崎礼賛、地方礼賛では全くないリアルな(でも笑える場面も多々)作品を1作目に据えたところに本気さを感じました。宮崎の演劇界は頑張ってるんだなー(上から目線)。

絵の魅力は永遠な話【鑑賞「生賴範義展Ⅲ」】

宮崎市のみやざきアートセンターで2017年1月15日まで開催中の「生賴範義展Ⅲ」を見てきました。

最終章となる本展示では328点を展示。見どころは「ジュラシック・パーク」単行本表紙かな。個人的には「ファウンデーション」シリーズ、「ハイペリオン」シリーズ、「虎よ!虎よ!」などのSF小説表紙の原画にグッときました。冒険心をそそるんですよねー。

そのほか、小松左京・平井和正コーナーは第1回の再展示だったりと、過去2回の開催と比べると「商業品」としては地味な構成かもしれません。

しかし今回のポイントは「未完の油彩群」と称した未発表品のコーナー。署名もない一連の作品たちは、自画像だったり息子さんをモデルにしたとおぼしき少年画、絶筆画(泣ける…)、そして薩摩川内市歴史資料館に所蔵されている大作「破壊される人間」のための習作群。

グロテスクなのになぜか惹かれる「破壊される人間」習作

このコーナーだけ他とは違う雰囲気を出している。一人の人間がこんなに色々なものを描くのかという振幅の大きさに圧倒されるのです。絶筆画に引かれたマス目にも心惹かれる。空母の絵を依頼されていたそうですが、正確に描こうとしていたのがわかるんです。

そして「小松左京・平井和正」「未完の油彩群」コーナーが撮影可(フラッシュ不可)なのもウレシイ点。「小松左京・平井和正」コーナーは第1回では撮影不可でしたからねー。

幻魔大戦シリーズから。数少ないパステル画

そこで改めて感じたのは、生賴作品で描かれる人物たちの目力。写真を撮ろうと作品を見つめると、男も女も真正面からだったり振り向きながらだったりとポーズは様々だけど、こちら以上の力で作品側から見返されていることに気づく。生賴作品の普遍性を感じた瞬間でもありました。

生賴作品については、宮崎市などが一般社団法人を組織して保存、定期的な公開に乗り出すそう。また2018年1月には東京・上野の森美術館で作品展が決まったとのこと。これからますます再評価が進みそうです。あくまで仕事として描かれた数々の作品群ですが、その突き抜けた魅力は永遠です。堪能した!

2016私的ベスト3

週1回ペースで更新している当ブログも3年目。2016年を振り返ってみたいと思います。映画に良作が多かったような…?

MCUや再始動したスター・ウォーズなどもみていて楽しかったのですが、単体としてエイヤッと絞ったらこの3本になりました。エンターテイメントの皮を脱ぐことなく偏見と差異というギリギリのテーマに挑んだ「ズートピア」、過多な情報量とスピード感という現代風の面白さで突き抜けた「君の名は。」、そして今の若者の生態を描きつつ人の成長を捉えた「何者」。就職活動は自分を見つめること、とはいうけれど、あんなにシビアに見つめたらもう立ち直れない…しかしそこからでないと再起動もできないのですよ。

今年はあまり本を読まなかった…と思っていたけど、振り返るとまぁまぁ手には取っていましたね。今は「カラマーゾフの兄弟」を少しずつ読んでいるので、最近は本を読み切っていないからか。この3冊からは当事者として眼前のことに臨むことの重要性を読み取りました。それが広く社会のためでもあるし、1対1の個人の関係でもそう。そして眼前のことに臨むにはプロでなければならないのです。

イベントもそこそこ行ったのですが、印象に残っているのは40回目の開催にして初参加の「UMK SEAGAIA JAMNIGHT」。夕方、酒を飲みながらの野外ライブで夏を満喫したのでした。音楽の気楽な楽しみ方を再確認。ブログには書きませんでしたが、Perfumeの幕張オールスタンディングライブやルノワール展(東京)、鳥獣戯画展(福岡)などにも行ったのでした。

とはいっても公開中なのに見てない映画(「スター・ウォーズ ローグ・ワン」!)や行けてないイベント(生賴範義展3!)、読んでいない本もまだまだいっぱい。焦らず、じっくり味わって自身の栄養にしていきたいと思います。

一人で創造はできない話【鑑賞・大河原邦男展】

福岡県北九州市・北九州市漫画ミュージアムで2017年1月15日まで開催中の「メカニックデザイナー 大河原邦男展」を見てきました。

大河原邦男氏はアニメに登場するロボットや航空機など、乗り物のデザインを続けているデザイナー。代表作に「機動戦士ガンダム」、ギャグアニメ「タイムボカンシリーズ ヤッターマン」などがあります。

会場が駅から近いのがありがたかった

会場は大河原氏直筆の設定画を最初期の「科学忍者隊ガッチャマン」からズラーっと展示。機動戦士ガンダムの劇場版ポスターの原画もありました。星空を背に敵のロボット(モビルスーツ)が並ぶ中、後方にシルエットのように大きく描かれる主役ロボ・ガンダムという構図の「機動戦士ガンダム  哀・戦士編」のポスターは生賴範義の影響を受けていたそうで、実に興味深い。意外なところで繋がりましたねー。

もっとも、主に展示されているのはアニメ用の「設定画」なので、どの作品もサイズが同じ。新聞紙半分くらいの大きさか。展示としてメリハリがつきにくいのだけど、これはまぁ仕方ないですよね…。

そんな中でも、大河原氏が現役デザイナーとして活躍できているヒントが今回の展示でもわかりました。

一つはアニメという2次元で描かれるメカに3次元の魅力を与えたこと。昔のロボットアニメは主役ロボの変形合体が流行りだったのだけど、その合体変形システムを一枚の紙で説明してみせる手際の良さ。と、そのアイデア。今回展示されているその設定画を見ると、昔のロボットは腰が180度回転したり腕が逆方向に曲がったりしてパズルのように合体変形してましたわ確かに。見せ場だったよなー。何もないところから自身の頭の中だけでそういった発想をするのだからすごい。実際に立体を作っておもちゃメーカーに仕組みを説明したこともあるそうです。商業アニメですからおもちゃが売れてナンボですからね。

かっこいいメカもユーモラスなメカも描けるのが大河原氏の魅力

もう一つは自身だけで仕事を完結させなかったこと。先述したガンダムの場合、すでにあった主役ロボのデザイン案に大河原氏が「派手さが足りない」と全く別のロボットをデザインし、それに別のスタッフが「今回の場合ロボットに口があるのはリアルじゃない」と意見し、最終的に口がなくなったそう。敵側ロボの基本デザインもアイデアを出したのは監督で、大河原氏が仕上げていったということです。別の作品のコーナーでは、大河原氏のデザインに監督が細部にわたって赤鉛筆で修正を指示している設定画も展示されていました。

アニメは集団で作るものという考えに基づき、スポンサーやスタッフの要望、視聴者(子供たち)の期待に応えて結果を出していく。そして「どう応えるか」に自分の個性を出す。大河原氏の場合、合体や変形のアイデアだったわけで。共同作業の意味と醍醐味を考えさせられた展示会でした。

前向きな思いが伝わる話【感想・Zine It! Vol.7】

宮崎市で7回目になった、手作り雑誌「Zine(ジーン)」の販売イベント「Zine It!」。今回は福岡での同種イベント「10Zine」とのコラボということで、より多くのZineを見ることができました。関係者のトークも聞けて楽しかったですねー。

関係者トークではZineの魅力として「自分のやりたい環境を簡単に作れる」「(Zineは)『アレ読んだ?』が通用しない世界」「作り手のバックグラウンドが紙や綴じ方に出る」などうなづける指摘が。今回買ったZineも作り手の思いを感じたものが中心でした。そういう一期一会な感覚が楽しい。

宮崎の「Zine It!」は7年目、福岡の「10Zine」は6年目。「楽しい環境を一つずつ作ってきた」というコメントが印象に残りました。「地域を盛り上げるぞ」と大上段に構えず、「楽しくやる」といういい意味での軽さが結果的に街に魅力を与えているように思いました。カルチャーって自分の衝動から始まるものだからね…。

というわけで今回買ったZineは…

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映画・映画館について語った「CINEMARGIN」

宮崎市で自宅ショップを経営する女性布作家を取材した「わたしを生きる」

鉄塔への愛に溢れた「鉄塔」

柿の実が熟して落ちるまでを写真と文章で見届けた「柿の半生」

宮崎と鹿屋のお気に入りの場所やイベントを紹介する「FOR」

投稿雑誌の編集部での思い出を漫画形式で振り返る「なかのひとのはなし」

白魚の踊り食いやものまねショーパブ、細島港ガントリークレーン突撃取材などをまとめた「初体験記」

自分が欲しいもの、買ったものをイラスト付きで紹介する「ほしいもののーと2016」

でした。

取材する、文章を書く、レイアウトを整えるなどなど、対象への愛が形になったものに惹かれますねやはり。作者の前向きな思いを感じるのがZineの良さなのでした。

普遍性と個性を考えた話【鑑賞「リアル展」】

宮崎県・高鍋町美術館で2016年11月23日まで開催中の「宮崎アーティストファイル リアル展」を見てきました。

一つのコンセプトに則り作品を選出する「宮崎アーティストファイル」。「ガール展」に続く第2弾となる今回は予想通り(?)男性作家だけの構成でした。しかしテーマを「リアル」とした今回は、様々な写実作品(造形物含む)が並び、なるほど作家の目が何を捉えているのかが興味深い仕立てとなっていました。

 

高鍋美術館、頑張ってますねー
高鍋美術館、頑張ってますねー

そもそも「絵の見方」って学校で習った覚えがない。宗教画とか風景画は見て「綺麗だ」「印象的だ」と感じるのだけど、静物画、肖像画は上手だとは思うけど「なぜこれを描こうと思ったのか」が伝わらなかった。

でも今回の企画展でようやく覚った気がします。純粋に光や色、形、筆使いの妙を楽しめばいいのでは、と。そこに作り手の個性を読み取ればいいのでは、と。

特に今回のゲストアーティスト・永山真策の油彩画は精密でありながら筆使いを全く感じさせない。「写真か?印刷か?」というほどフラットな作品。一方でピントをぼかしたように風景を描いているのもあった。梅下政良の油彩画でもピントを一部分にだけ合わせたような作品や、表情を極端にクローズアップして捉えた大作(迫力!)など、「作り手の感じたリアルとは何か」が様々な形で伝わってくる。

今回も中心は若手の作家たち。彼らを紹介する解説ボードも興味深かった。彼らにとって写実画は「表現の基礎」「ツール」などである一方、素材に感じる形の面白さを伝えようとするなど、作り手たちが今何を感じているのかがよくわかりました。

作り手一人一人の「リアル」はここまで違う。それが個性。ということは、作り手に限らず我々一人一人が持つ「リアル」も一人一人違っているかもしれない。自分の「リアル」の普遍性と個性の境目はどこか。普遍的と思っていたものが実は個性の名の下に歪んではいないか。自分にも問いかけを迫られた展示会でした。